In Her Room is veteran screenwriter Chihiro Ito’s debut film. It is based on a novel she wrote and is an impressive achievement in style as it gives a refreshing cinematic spin on a familiar story of a jealous lover learning to let go.
That is how my review opens and the rest of the writing is dedicated to describing how this fine film works so brilliantly because it comes from a writer/director who is playful with her visualisation of the material.
Our man learning to let go is a terminally unhappy and anxious dentist named Susume (Satoru Iguchi). His increasingly high-dependency relationship with a sultry and beautiful mystery lady named Miyako (Fumiko Baba) leads him on a journey to some form of self-reliance. It takes him into her jungle abode in the city suburbs – literally an apartment overtaken by tress and other foliage – and into the lives of others Miyako has inadvertently collected in her thrall.
The film works tremendously well through arresting images, striking locations, highly-mannered performances, an at-times odd soundscape, and pacing that slowly leads the viewer through a myriad of inventively conveyed emotions, dreamlike atmospheres, and odd situations that made the film totally absorbing, entertaining, and also truthful about the messiness of human emotions.
I didn’t know what to expect with In Her Room but upon a first watch, I it became one of my absolute favourite films of New York Asian Film Festival 2023 and after a second, then a third viewing, I was absolutely certain that this would be one of my favourite films seen in 2023 by the end of the year and Chihiro Ito is a talent to track.
Thanks to the organisers of the New York Asian Film Festival, I was given the opportunity to interview Chihiro Ito.
This interview could not have been done without the work of Koichi Mori and so I’d like to extend my thanks to him as well as to the staff involved and Chihiro Ito who generously took the time to answer my questions!
The English text follows the Japanese!
あなたは様々な映画の美術スタッフとして働いた後、脚本家に転身されたのだと思います。美術部での経歴と、その経験が脚本や演出のスタイルにどのように影響しているのか、少し説明していただけますか？
現場をスタッフの立場から見てきたので、スタッフとのコミュニケーションの取り方や、わたしがイメージしていることの伝え方などで現場の経験が大きく影響していると思います。
これは嫉妬の物語ですが、激しい感情は俳優によって抑えられています。テンポはゆっくりで、極限状態に追い込まれるまでどちらかというと無表情な主人公が登場します。ストーリーの大半を占める、抑制された夢のようなビジュアルアプローチは何から着想を得たのですか？
この作品のはじまりは、わたしが書いた小説でした。この小説は、すべて主人公ススメの日記で構成されています。
人は、頭や心で思っていることのほとんどを表に出して表現しないですよね。
頭の中では、たくさんの感情や思いが生み出されているし、心は常に揺れ動いているのに。
相手へもっと自分が上手く表現できたなら、相手の思いをもっと汲み取ることができたなら、それができればコミュニケーションはスムーズに行くのかもしれませんが、それはとても簡単ではないとわたしは感じています。
そして、この主人公は特にそれを苦手としているキャラクターだと思います。
そういったわたしの考えからビジュアルでそれを表現しています。
ショットの構成はとても楽しかった。シーンの物理的なメイクや照明には、常に目を引く何かがありました。井口理は手前にいて、馬場ふみかは奥にいる。手足だけで表現しているのかもしれない。画面に配置されたタブローからは、コメディとエロティシズムと脅威がたくさん感じられます。これらの効果を得るためのプリプロダクション／場面設定のアプローチについて少し説明していただけますか？
この作品は、登場人物が多くを言葉にして語らないため、動きや仕草であったり、距離感やフレームの切り取り方などに強くこだわる必要を感じました。そういったことで滑稽さやストレス、居心地の悪さであったりを表現したかったので、全てのカットの画コンテをそのことを重視して考えながら書いていきました。
宮子のジャングルに囲まれたアパートのアイデアはどこから来て、どのように場所を探したのですか？
あの植物に囲まれた部屋というのは、どこかでわたしの憧れでもあります。だけど、植物の手入れというのはとても面倒のかかるものです。
植物が豊かでいられるように手入れをする、それは、人付き合いに似ていると思っています。小説を書くとき、宮子という人間を最も表現するものは彼女が暮らす部屋にあると感じていたので、想像のなかでは自由に思うままに、どこか非人間的な部屋を作りあげていったのですが、この作品を映画化することになり、ロケ場所を見つけてくれるスタッフと美術部はとても苦労することになりました。
キャストについては、それぞれのキャラクターを日常的な環境から、物語の雰囲気に合った奇妙な三角関係へと昇華させる素晴らしい演技を披露してくれました。
馬場ふみかさん、井口理さん、河合優実さんを選んだ理由と、彼らとのコラボレーションについて教えてください。
例えば、キャラクターを自由に解釈させたのか、それともあなたの指示に忠実だったのでしょうか？。
基本的にわたしが持つイメージを伝えて、そこからキャストたちそれぞれのなかで解釈されて出てくるものに委ねたところがあったと思います。
なかでも井口理さんはわたしにとってとても頼もしい存在です。彼とは特にたくさんの会話を重ねて映画のススメというキャラクターを共に作り上げていったので、その信頼関係を構築することができた時間が、最初はわたしひとりの頭の中だけで生まれたあの繊細なススメという人間を、映画のなかで生々しく魅力的な存在にしてくれたのだと思っています。それは、わたしのこの映画づくりのなかでとても貴重で温かなプロセスだったのだと感じています。
また、スクリーンで渡辺紘文監督を見たのも面白かった。彼は他の人の映画でちょい役で登場し、数分のスクリーンタイムで印象的なキャラクターを作り上げる。どうやって彼をこのプロジェクトに参加させたのですか？
わたしは渡辺紘文監督の映画のファンです。
プロデューサーの行定勲さんは彼と親交があったので紹介してもらうことができ、今回、出演を快諾していただきました。
ある意味、ススメと宮子はともに利他的な行動をとるが、ススメの利他主義は落胆した状態から来るもので、宮子の利他主義はより頭脳明晰なもの。そのため、両者の行動に矛盾が生じ、憂慮すべき事態に発展する。それが公然と語られるのは、劇の後の重要な会話においてのみである。二人の対立する真実は実にうまく視覚化されていますが、この芝居のアイデアはどこから来たのでしょうか？
まさにそのとおりです。ここはこの映画のなかで一番重要な意味を持つシーンです。
この先の二人の関係や互いの価値観の違いが顕著になっている。
この映画もそうだと思いますが、わたしたちはひとつの同じ作品から感じ取れることは様々であり、捉え方や共感できるポイントなどにも価値観が関係してくる。だから感想を語り合うと別の角度からの視点に驚いたり、新たな発見をもたらしてくれる。だけどこのシーンのように二人はいま関係を築いていく途上にあり、しかもとてもデリケートな状態にある場合には、こういった歪みは不快感を生む可能性がある。話し合いが互いを理解するところまで及ばずにムキになったまま中途半端に閉ざされてしまいがちになるからです。
その理解できない心の距離をあの階段を使ってストレスのなかで表現したいと思いました。
宮子が先に下にいて、上で動かない彼を見上げるかたちで話していることも印象的です。
ススメはより自立した、より幸せな人間に成長できると思いますか？
次の新しい環境のなかで、どうかそのように進化していってほしいと思っています。
ひとりひとりが自分の身を守ることに精一杯な世の中で、彼のように敏感な心を持って生きることはとても大変なことですが、彼が理解し合える、互いを尊重し合える人に、出会えることを願います。
『ひとりぼっちじゃない』と『サイド バイ サイド 隣にいる人』は完璧な2本立てです。前者はダークで、シニカルな登場人物たちとともに重いテーマを描いており、後者はある種のユートピア的な生きるビジョンを提示しているため、軽快に感じられた。この2作が1年以内にリリースされたという事実から、あなたはこの2作を互いに補完し合うような意図を持っていたのではないかと思うのですが。この2作の展開と関係について教えてください。
そうですね、実は結果としてそうなりました。
公開も撮影も『ひとりぼっちじゃない』が先になりましたが、当初わたしは『サイドバイサイド』で初監督を務める準備をしていました。
準備をしているなかで新型コロナウイルスが蔓延し、様々な作品のスケジュールが変動しました。『サイドバイサイド』の撮影も大幅に延期されました。
しかしそのことがあったから、予定にはなかった『ひとりぼっちじゃない』の映画が作られることになったのです。
両作品が完成したいまわたしが思うことは、『ひとりぼっちじゃない』を撮っていなかったら、『サイドバイサイド』はこのような描き方にはならなかっただろうということです。ひょっとしたら全く違う映画になっていたのではないかと思います。
だけど、この２つの作品はとても深い繋がりを持ったものになりました。
実は『サイドバイサイド』には、主人公未山の過去が描かれるシーンで、『ひとりぼっちじゃない』の映画のなかのある日のススメが登場します。
未山とススメは同じ時間のなかに生きていると感じたからです。
日本で、『ひとりぼっちじゃない』が初監督作品として公開され、そのすぐ後、1か月後には『サイドバイサイド』の公開になると決まったときは、さすがにわたし自身も驚きましたが、きっとそれも良い運命だと捉えています。
素敵なインタビューありがとうございました！
I believe you worked as art department staff on various films before moving into writing. Could you explain a little about your background in art and how that experience affects your writing and directing style?
I have seen the shooting location from the crew’s point of view, so I think my experience on locations has greatly influenced the way I communicate with the crew and how I convey what I have in mind.
This is a story of jealousy but fiery emotions are tamped down by the actors. The pacing is slow and the film has a protagonist who remains rather impassive until pushed to extremes. What inspired your restrained and dreamy visual approach to most of the story?
This film began with a novel I wrote. The novel consists entirely of diary entries of the main character, Susume. People don’t outwardly express most of what they’re thinking in their heads and hearts. In the head, many feelings and thoughts are being created, and the heart is always in turmoil.
If we could express ourselves better to others, if we could understand one another’s thoughts better, communication might go smoothly. But I feel that’s not so easy. And I think that the protagonist is especially bad at it. That’s what I tried to express in the visuals.
The shot composition was really fun to engage with. There was always something in the physical makeup or lighting of a scene to catch the eye. Satoru Iguchi might be close in the foreground while Fumika Baba is way off in the background. Maybe they are represented by just a limb. A lot of comedy and eroticism and threat is felt from the tableaux you arranged on screen. Can you explain a little about pre-production/your approach to scene set-ups to get these effects?
In this film, the characters don’t put much into words, so I felt it was necessary to pay strong attention to their movements and gestures, as well as the sense of distance [between them] and the framing. I wanted to express absurdity, anxiety, and discomfort of the characters, so I wrote the storyboards for all the scenes with that in mind.
Where did the idea for Miyako’s jungle-infested apartment come from and how did you find the location?
The idea of an apartment surrounded by plants is something I have always longed for. But taking care of plants is very tedious. Taking care of plants is similar to socializing with others.
When I was writing the novel, I felt that the most expressive thing about Miyako as a person was the room she lived in, so I was free to create the somewhat inhuman room of my imagination as I wished. But when it came time to make the film, the crew and the art department had to work very hard to find locations.
In terms of the cast, they really delivered great performances that elevated their characters from the everyday surroundings and into a strange relationship triangle that fit the atmosphere of the story.
Why did you select Fumika Baba, Satoru Iguchi, and Yuumi Kawai and how did you collaborate with them? For example, did you allow freedom to interpret the characters or did they stick closely to your directions?
Basically, I gave them the image I had in mind and left it to the interpretation of each of the cast members.
I was especially grateful to Satoru Iguchi, who was very supportive. We had a lot of conversations together to create the character of Susume in the film, and I believe that the time we spent building that trusting relationship helped make Susume, a sensitive person who initially existed only in my mind, a vivid and fascinating presence in the film. I believe this is the reason why I made this film. I feel like the process of making the film was very valuable and pleasant.
Also, it was funny to see director Hirobumi Watanabe. He crops up in small roles in other people’s films and he creates a memorable character with a few minutes screen time. How did you get him into the project?
I am a fan of director Hirofumi Watanabe’s films. The producer of my film, Isao Yukisada, is a good friend of his and was able to introduce me to him, and he agreed to appear in this film.
In some ways Susume and Miyako both exhibit altruistic behaviours, however, Susume’s altruism comes from a despondent state while Miyako’s is more guileless – maybe I am wrong. It leads to contradictory behaviour from both characters that grows alarming. It is only openly verbalised during a key conversation after the play. Their opposing truths are really well visualised but where did the idea for the play come from and are the two characters/their behaviour symbolic of something more?
That’s exactly right. This is the most important scene in the film. It is remarkable for the relationship between the two people and their values toward each other in the future.
As is the case with this film, we can perceive different things from the same work, and the way we perceive it and the points we can empathize with are also related to our values. So when we discuss our impressions of a film, we’re surprised to see a different angle, and it brings about new discoveries. However, when two people are in the process of building a relationship, as in this scene, and are in a very delicate state, such distortions can cause discomfort. It’s very easy for discussions to be closed off halfway through without reaching a point of mutual understanding.
I wanted to use that staircase to express that incomprehensible emotional distance caused by stress. It’s also notable that Miyako is at the bottom of the stairs first, looking up at his motionless body at the top.
Do you think Susume will be able to grow into a more independent and happier person?
I hope that he will evolve that way in his new environment. It’s very difficult to live with a sensitive heart like his in a world where each person is busy protecting themselves. But I hope he will meet people who can understand and respect others.
In Her Room and Side By Side make a perfect double-bill. The former is dark and goes through heavy material with cynical characters while the latter felt lighter as it presented a sort of utopian vision of living. The fact that they were released within a year of each other makes me wonder if you had intended the two to compliment each other in some way. Could you explain their development/relationship with each other?
Actually, it just turned out that way. Although In Her Room was released and shot first, I was initially preparing to make my directorial debut with Side By Side.
While I was in pre-production, Covid broke out and the schedules of various films had to change. The shooting of Side By Side was postponed significantly. However, because of this, In Her Room was made, which had not been planned.
Now that both films have been completed, I think that Side By Side would not have been made the way it was if I hadn’t first shot In Her Room. I think it would have been a completely different film.
But the two films have a very deep connection. In fact, in Side By Side, in a scene depicting the past of the main character Miyama, the character of Susume from In Her Room appears.
I felt that Miyama and Susume were living in the same time.
I was surprised when it was decided that In Her Room would be released in Japan as my first film as a director, followed a month later by Side By Side. But I’m convinced it was a positive fate.
Thanks for taking the time to answer these questions!
Thank you very much for the wonderful interview!
In Her Room played at NYAFF on Friday, July 28th, at 18:00 at the Walter Reade Theater, Film at Lincoln Center. Chihiro Ito and actor Satoru Iguchi were present to talk about the film with the audience.
Once again, my thanks go out to Chihiro Ito, Koichi Mori and the staff who made this interview happen!!!